从文徵明《五瑞图》谈当代生活中，如何“玩”菖蒲奇石

5月17日至19日，上海刘海粟美术馆展出一件馆藏高近1.89米的巨幅文徵明《五瑞图》，并在这三天围绕这一馆藏，开启名为“存天雅集·博物赏识”系列的线上直播与线下雅集。

 

文徵明 《五瑞图》 刘海粟美术馆馆藏 画心：长，189.1厘米；宽，94厘米

 

这一幅《五瑞图》曾为刘海粟先生的收藏，画面左上方有三枚刘海粟印章。画面中可见古柏、奇石、灵芝、萱草和祥云，这些祥瑞元素代表着中国人为国泰民安及个人平安、幸福、健康的祈福，尤其对当下有特殊的意义。

 

沈周《西山纪游图》（局部）

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吴

门

画

派

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苏醒（上海书画出版社编辑）：画这张画的时候，文徵明已经80岁了。史料说，文徵明生下来就脊柱突出，8岁的时还不能站立，不能说话。他是晚慧的一个人。他和唐寅是同年，唐寅则是非常早慧。文徵明一开始并不叫文徵明，而是叫“文壁”。文徵明的父亲叫文林，生了三个儿子，大儿子叫文奎（奎木狼），二儿子就是文壁（壁水貐），三儿子叫文室（室火猪）。这三个字都是星宿的名字。

 

文徵明到40多岁的时以字作为名，然后自己另外起了一个字叫“徵仲”，然后他就开始署“文徵明”一直到老。文徵明20岁时向沈周学画，沈周是“明四家”之首，也是最长的一位，非常德高望重，文徵明一画就一发不可收拾，绘画上的才能就被激发出来了。

 

宋 崔白 《双喜图》 绢本设色  台北故宫博物院藏

 

《五瑞图》是一张山水画，但是其中又有花卉的元素，这个是比较特别的。在宋代的时候，有那么几张画也有类似的属性。比如说崔白的《双喜图》，画了一只兔子两只喜鹊。但是整个背景是有一点山水味道的。北宋宗室画家赵士雷画的《湘乡小景图》，也是山水为背景，以山水和池塘、禽鸟、树木结合。画树木，枝节盘错，是文徵明的特色。所以这幅《五瑞图》既注重物理形态又注重用笔，所以晚明时期的总结是“吴门画重理，松江画重笔”。重笔，也就是说不再重视物理的真实性，完全是一种笔墨，但是在文徵明这里，还是笔墨与格法、造型并重的一个感觉。

 

宋 赵士雷《湘乡小景图》（局部）

 

孙丹妍（上海博物馆书画部副研究员）：中国的山水画和花鸟画，有一种存在于两者之间的绘画形式称之为“全景花鸟”，宋元画家受北宋大山大水的影响，把花鸟置于大山大水比较辽阔的情况下去画。在山水画成熟之前有一种“前山水画”叫“山水松石格”，当时画家还不具备表现全景山水的能力，但是他已经具备了把一棵松树或者是一块石头画得很好的能力，“山水松石格”其实就是大花鸟小山水，就是在特写的花鸟当中有山水的元素。但这在文徵明画中比较少见。文徵明的花鸟画主要是竹石和玉兰。竹石又分两种，如果竹子和石头在一起，他的竹子学倪瓒，石头学赵孟頫，就是融入书法笔意的写意竹石。画墨竹学北宋文同。玉兰花他画得比较精。像这种山水和花鸟结合、而且还是青绿山水比较少见。

 

赵孟頫行书自题《枯木竹石图》

 

吴门画派还是学宋人多，并不是把笔墨作为唯一的最重要的表现形式。当然文徵明也临过很多古画，当然文徵明的“临”和董其昌的“临”是不一样的，董其昌的“临”法是我用我法。文徵明是怎么临的呢？

在文徵明79岁的时候，他看到了宋代赵伯驹、赵伯骕的两张青绿山水。其中一张是赵伯驹的画，还有一张是赵伯骕的《后赤壁图》，文徵明是仔仔细细的临的。现在文徵明临的这一本在台北故宫博物院收藏，可以看出来的他是按照赵伯骕的画临的。赵伯骕《后赤壁图》可能献给严世蕃了，但现在不知所踪。文徵明这张画留下来了，我们也可以通过他的这张画去看一下赵伯骕的画的样子。这张画又与《五瑞图》的风格很像，是属于文徵明青绿山水加仿古，皴染少而染色多。

 

文徵明 仿赵伯骕后赤壁图 卷(局部)

 

青绿山水是空钩无皴的。在元代之前青绿只钩一个轮廓线，轮廓线下面用很厚重的青绿颜色去染，所以它只有钩和染两个步骤，所谓山水画的“皴法”是没有的。到了赵孟頫“元四家”“重笔，用笔的皴擦把山水的质感留在纸面。大青绿山水用皴法就不适合，因为矿物颜色会把笔法全部覆盖。所以赵孟頫就创造了一种小青绿山水，皴染并重，他用皴笔把山石树木画好，他用很鲜明漂亮的青绿颜色，但青绿不把笔墨覆盖掉。小青绿可以两者兼得，既可以看到文人笔墨情趣的一面，也可以保留青绿山水富丽堂皇，比较漂亮的特点。赵孟頫创的小青绿画法之后，其实在后人继承发扬比较好的就是文徵明了。

 

文徵明一生创作的青绿山水很多。这张《五瑞图》的风格应该是属于他比较晚年的风格。因为大家都知道文徵明有细文和粗文的变化，但是细文和粗文并不是说他早年细晚年突然变粗，而是一生当中交替出现的，他早年细的比较多，也有粗的，晚年也有很细的。比如说这张是属于他笔墨比较放得开的，但是他在81岁的时候，画了一张很细很细的《真赏斋图》，所以他一生青绿山水的变化也是很多的。

 

文徵明 《真赏斋图》（81岁作） 纸本淡设色 28.6×79cm 上海博物馆藏

 

苏醒：《五瑞图》是嘉靖己酉年画的，这一年文徵明还画过两张纯山水画，但是构图和大的结构和这张画非常像。一张是《古木寒泉图》，还有一张《灌木寒泉图》都是同类题材。我猜想，一个画家在很近的时间里就创作了三件大作品，可能用的是同一个稿子，同一个想法，自己的习惯创作了类似的构图，这也是一个画家常用的手法。

 

文徵明《古木寒泉图》

 

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江

南

文

化

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孙丹妍：其实文徵明与画家、鉴藏家的交往非常多，对一个画家来说这也是很重要的。而且文徵明作为明代吴门画派鼎盛时期的代表人物，他和各个方面的交往也是对吴门画派风格的推广是很关键的。

 

江南在文学、绘画被大家经常提到的。但我们想象中的江南就是吴门画派，也可以说是文徵明给大家描绘出来的，颜色富丽，在庭园中安逸、富足，没有忙忙碌碌，很休闲，这才是我们想像当中所谓的江南。

 

文徵明 《江南春词意图卷》（局部）

 

苏醒：明代苏州经济是全国最繁荣的地方，是鱼米之乡。文徵明生活期间没有什么战乱，文徵明喜欢自己造园，在书斋里做画，所以他们的画又有一个名字叫“书斋山水”。

明人特别喜欢玩，文徵明曾经说过一句话，“吾之书屋多于印上起造”,比如说文徵明有翠竹轩、玉兰堂等好几个和华木有关的斋号。可以看出两点，他非常喜欢花，他又喜欢刻印，他的儿子文彭是大篆刻家，文徵明就说，我的宅号都是从印上起造，而不是说真的建起来。这就说明富足了之后，玩其实就是一种生活的兴趣。

 

明 文徵明《 玉兰图卷》（ 局部）

 

孙丹妍：明代文人闲适的生活也是现代人很向往的。你看文徵明画那么多的别号图也可以看出他的交友很广阔。他给很多人画过，比如说他画过《东园图》，东园是徐达的第五世孙徐泰时的园子。他给吴宽的侄子画过《影翠轩图》，你看到文徵明画的某某斋，都是真实有的，不会是乱想出来的，都是真的有一个园子给他画的。

 

文徵明也被称为文待诏，他是做过官的。这就要说到文徵明的交友了，其实在明代，吴中的文人在官场上是很大的存在。《明史·文苑传》记录了当时的文人，就是能够排上号的文人有140人，吴中的文人有45个，差不多占了三分之一。而且吴中文人有一个互相提携的传统。文徵明的父亲文林是当官的，像吴中文人当的两个最大的官吴宽和王鏊，都是他父亲的朋友。他们在很小的时候就认识文徵明，然后把他介绍给当时的官场高级的文人。所以文徵明很早就在高级的官僚圈已经享有盛誉，到他50多岁当待诏的时候，人脉已经是很丰富了，所以他在京城才有这么大的名气。吴门画派的影响成为全国的审美风潮了，这和文徵明的交友，以及吴中文人在明代政坛的影响力也有关。

 

文嘉作品

 

文徵明是吴门画派承上启下的人，他承的是沈周那一代老的，所谓的吴门画派其实就是“文徵明画派”，吴门画派后面的那些人，都是文徵明的学生。他有那么多的学生人数，影响那么大，吴门画派赖以延续，都是和文徵明有关的。文徵明是一个合适时代出现的合适的人，他的性格、家世也好都是顺势而生的吴门画派最鼎盛时期的领袖人物。因为松江也属吴地，董其昌一开始就把文徵明作为自己超越的对象。

 

董其昌，《集古树石画稿》 （局部）

 

苏醒：如果说三代的话，沈周是第一代领袖，文徵明是第二代领袖，第三代领袖就是董其昌。为什么说这三个人有不可取代的作用或者地方呢？第一，这三个人本身都是大书画家；第二，他是有收藏和鉴定的，鉴藏是非常重要的一块。唐伯虎的画不下于文徵明，但是他自己没有什么收藏。大收藏家项元汴，中国现存的古书画你随便翻翻都有项元汴的印，但是他自己又不怎么画。所以说能够集鉴藏和书画创作为一体的，只有沈周、文徵明和董其昌。

当代生活中，如何“玩”菖蒲奇石

 

王大濛（江南大学设计学院副教授，硕士生导师王大濛）：《五瑞图》当中的草、石、灵芝等放在一起，也是跨时空的，揭示了作者内心对美好的向往。那么，在当代生活中如何“玩”菖蒲和奇石，中国人创造这个“玩”字非常有深意。

 

王大濛的菖蒲雅室

 

中国文化当中的“玩”是高级的，是没有功利的。实际上以前的文人也是玩的状态，没有功利的思想。很多古代名家画画都是不卖钱的，是根据他生活的状态来画画的。比如说文徵明的画，我们欣赏他的画，一点也感觉不到功利心，而且时空会被拉长。

 

蔡斯民拍摄朱屺瞻在摆弄菖蒲

 

菖蒲在我国已经有2000多年的历史，真正作为一种文化的草是从唐代开始，文人留下了很多歌颂菖蒲的诗篇，宋代陆游说“雁山菖蒲昆山石”，所以配雁荡的菖蒲最美的石头是昆石。

 

我为什么喜欢菖蒲？因为菖蒲具有文人向往的做人标准。菖蒲有四个品格：忍寒苦、安淡泊、伍清泉、侣白石。

 

这四句话，也是文人一千多年来追求的精神，伴随着文化的成长、进步。菖蒲在当代也火了，也有说品茶是一大俗，菖蒲是一大俗，现在玩什么就是“俗得很”。这个“俗”，我也在想一个问题。古人玩一棵草都玩得那么有文化、有深度，我们为什么把古人有深度、有文化的东西“玩”俗了？作为当代来说，怎么“玩”古代的文化，就是不要带有任何的功利心。带着有情趣、好玩的心态。

 

昆石菖蒲两相宜（王大濛藏）

 

另外我们也要注重文化的积淀，要多读书，读古人的书，读中外的书，读经典的书。如果说我们没有长期文化的积淀，没有多读书，没有思想的积淀，我们欣赏一个东西，我们只能停留在表层，玩不深，深入不进去，所以就变成了“俗”。

 

每个的人生都是几十年，如果说你有知识的积淀，你的人生体验将是完全不同的。我觉得人活在世上关键还是要有文化，有了文化之后对这个世界的理解和体悟会不一样。

 

张大千《菖蒲》

 

《五瑞图》确实画得非常好。中国绘画不会像西方的画那样那么冲击你的眼睛，但是中国绘画是慢慢滋润你的心田，让你欲罢不能。如果说只是冲击，之后没有延续，那就是没有回味。我觉得中国人对绘画的理解是非常厉害，就是让你慢慢的品。所以中国人说艺术要有张力，而不是冲击力。

 

明 董其昌《夏木垂阴图》 轴

 

中国画就是让人慢慢去品味、回味。比如说文徵明的《五瑞图》，这张画在明代的画再欣赏一千年也看不厌的。文徵明作为一个大文人大画家，他比我们看得深，他的情感比我们丰富得多，他通过艺术的笔墨表达出来之后，我们就慢慢去体会它，好的绘画是永远看不尽的。

 

我跟菖蒲之间的关系是好朋友，我每天早上吃早饭前必须要打理菖蒲，要问每一盆好，看看它们是不是缺水，长得怎么样，有没有长新苗，都会给我淡淡的喜悦。中国人的喜悦忧伤都不是那么的浓烈，这就是中国文化。我和菖蒲的关系，与其说我养菖蒲，不如说菖蒲养着我，菖蒲确实给了我很多精神上的提高。

 

谢兴涛（青年画家）：其实在古代文人的生活中，菖蒲和石头都是不可或缺的一部分。尤其是晚清以后文人的生活当中，菖蒲和石头越来越重要。在唐、五代乃至北宋，山水画的发展到成熟阶段，石头不是作为单独的个体出现的，而是作为山水画当中的一个局部，是作为山水画的基本元素出现的。

 

北宋 赵佶 祥龙石图卷

 

到了北宋之后，随着宋徽宗对石头的热爱，他从苏州把太湖石运到开封做园林，他也画了很多石头的绘画，尤其是《祥龙石图》，这是现在北宋传下来的最有代表性的以石头为主题的创作。

 

其实《五瑞图》也可以认为是一张山水画，其实它是山水画的局部，他是画了一棵树，一棵草，几块石头，是把它作为山水画的局部放大来处理的。这说明了从宋代、元明绘画的发展，就是私人化的进程。更注重的是有我的状态，宋代的绘画是无我的状态，是对自然状态的表述。而到元代之后的绘画，更多是关注自我的状态，是一个有我的境界。以至于到了晚明之后，晚明的生活状态，以文徵明为代表的，包括后来他的《长物志》，对明代文人的生活状态，从每个细节上都描绘的非常具体，这就是明代文人的精细感。就可以体现出中国人玩任何一个东西的时候，玩到极致的时候就不是简单表面的玩，而是深层次的意义，把它寓意到人，把人的精神状态加在它的身上，从它的身上看到人的品格和品质。你不能简单把它看成是一块石头，一棵小草，而是要更多的看到文化的意义。

 

张驰（中国传统赏石收藏爱好者）：这几年我们聊的最多的一个问题就是石头的四个字“瘦、透、漏、皱”，这个其实是古人给我们的赏石审美的标准。但是这个标准和我们有点不太符合了。因为我们不是一个每个人都有一间书房，有一个条案，现在大家都住在一个“盒子”里。现在我们的家具都变了，还怎么玩呢？

 

赏石是天然的雕塑作品，是大自然馈赠给我们的。我们现在更多要走另外一条路，就是我们要学习、了解它。

原文始发于微信公众号（汇石融通）：从文徵明《五瑞图》谈当代生活中，如何“玩”菖蒲奇石